Les Amours des dieux Charles de La Fosse à Nantes

Suite à l’exposition monographique du château de Versailles, le musée des beaux-arts de Nantes choisit une approche poétique et littéraire, en se concentrant sur l’œuvre mythologique, en écho à ses deux énigmatiques décors Vénus demandant à Vulcain des armes pour Enée et La déification d'Enée.

Le parcours d’une vingtaine de peintures et d’une quinzaine de dessins permettra de rassembler les œuvres des plus prestigieuses collections publiques et privées : Le Louvre, Versailles, École nationale des Beaux-arts de Paris, les musées de Rouen, Rennes, Dijon, Caen mais également, pour la première fois présentées en France, des œuvres d'Oxford et Basildon Park (exposées à Versailles).

Au sein même de sa génération du Grand siècle finissant (Mignard, Jouvenet, Coypel), La Fosse offre le plus beau prélude mythologique à toute une lignée, sensuelle et insouciante, qui s’éteindra avec Fragonard. De l’imaginaire royal apollonien au goût nouveau pour les amours galantes des dieux l’exposition permet d’embrasser l’ensemble de la carrière du peintre.

Bande annonce de l'exposition : http://www.museedesbeauxarts.nantes.fr/Accueil/Expositions/AVenir/Ba-LaFosse

Rappelons que parmi les oeuvres exposées à l'exposition de Nantes, quatre d'entre elles proviennent des collections du château :


Charles de La Fosse (1640-1716)

Nº d'inventaire: MV 3582
Auteur : Bouys, André
Date de création : 1676-1700
Dimensions : 120 x 91 cm cadre: 145,5 x 116,5 x 8 cm
Matière et technique : huile sur toile

Historique : morceau de réception de l'Académie royale de Peinture et de Sculpture, 1688

Commentaire : André Bouys présente ce portrait comme morceau de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture, le 27 novembre 1688. Comme bon nombre des portraitistes reçus à l’Académie royale de peinture et de sculpture, Bouys reste un peintre mal connu bien que très actif en son temps : neuf portraits de lui sont exposés au Salon de 1699 et douze au Salon de 1704. On sait qu’il fut tenté autant par le genre de la nature morte que par celui du portrait.

Dans cette effigie de Charles de La Fosse, il met curieusement en avant le dessinateur et non le peintre. Qui plus est, le modèle désigne de la main, non un dessin achevé et coloré, comme l’artiste sait si bien faire, mais une feuille blanche froissée aux bords écornés, sur laquelle repose un stylet. Ce choix constitue peut-être une allusion au rôle de professeur que La Fosse occupe à l’Académie depuis 1682.

Charles de La Fosse est alors âgé de cinquante-deux ans. L’expression sereine de son visage et son regard perçant sont ceux d’un homme mûr dont la carrière est déjà assurée. L’élégant vêtement d’intérieur, surtout le jeu en volutes des manches et le raffinement des dentelles, contribue à donner une image imposante de l’artiste. La gamme colorée, l’harmonie de gris et de rose forment un hommage à la palette de La Fosse. (Béatrice Sarrazin)

... dont trois du salon des Malachites du Grand Trianon :


Diane et ses compagnes

Nº d'inventaire: INV 4535
Date de création : 1688-1689
Dimensions : œuvre (encastrée dans le lambris): 128 x 159,8 cm cadre: 153 x 185,2 x 6 cm
Matière et technique : huile sur toile

Historique : Commandé en 1688 pour le décor du cabinet du Couchant au grand Trianon, payé 1800 livres tournois avec le MV 7352 et le MV 7256 ; retiré sous l'Empire ; hypothèse 1 : l'inventaire Napoléon situe l'oeuvre au château de Rambouillet avant son envoi au Ministère de la Maison de l'Empereur, 4 avril 1870 ; hypothèse 2 : l'inventaire Villot le mentionne au château d'Eu, puis Enguerand dans le cabinet du général Ladmirault, gouverneur de Paris, 1873 ; perdant son identitié, il est déposé au palais de l'Elysée ; musée du Louvre, 1910 ; déposé à l'ambassade de France à Saint-Pétersbourg en 1914 ; revenu au Louvre, 5 février 1929 ; parti en restauration dans un atelier privé ; signalé par Me Loudmer avant son passage en vente publique, 1996 ; repris par le Louvre ; restauration, 2009 ; remis en place, 2010 ; déposé en 2010 à la fin de l'exposition "Louis XIV : l'homme et le roi"

Commentaire : Fille de Zeus et de Léto, sœur aînée et jumelle d’Apollon, Diane-Artémis est la déesse de la lune, de la chasse et de la nature sauvage. Cette chaste vierge parcourt inlassablement les sombres forêts, accompagnée de la meute de ses chiens fidèles, et armée d’un arc et de flèches forgés par les cyclopes de Vulcain.

Diane et ses compagnes se délassent, après la chasse, à l’ombre d’un bois frais du vallon de Gargaphie. L’œuvre de La Fosse est assez fidèle aux Métamorphoses d’Ovide (livre III) : « Elle remet son javelot, son carquois, et son arc détendu à celle de ses nymphes qui est chargée du soin de les garder » tandis qu’une autre délace sa chaussure.

Charles de La Fosse a souvent repris le thème du Repos de Diane, prétexte mythologique permettant aux artistes de mettre en scène de jolies nymphes s’ébattant innocemment dans les ondes. La composition, très dense, pour le cabinet du Couchant du Grand Trianon joue sur une oblique forte et des contrastes de clair-obscur. (A. Collange-Perugi)

Clytie changée en tournesol

Nº d'inventaire: MV 7256
Date de création : 1688
Dimensions : 128 x 156 cm cadre: 155,5 x 183,3 x 7 cm
Matière et technique : huile sur toile

Historique : commandé en 1688 pour le décor du cabinet du Couchant au grand Trianon ; payé 500 livres ; Musée spécial de l'école française ; retiré sous l'Empire ; remis en place sous la Restauration ; restauration, 1963-1964 ; restauration, 2008

Commentaire : Le tableau a été peint pour un dessus de porte du Cabinet du Couchant au Grand Trianon, où il se trouve encore aujourd'hui (la pièce est également appelée: salon des Malachites). C'est l'une des allégories les plus fortes liées au thème du Roi-Soleil ; le sujet est tiré des Métamorphoses d'Ovide : Clytie déplut au Soleil-Apollon qui la transforma en tournesol : elle fut ainsi réduite à suivre des yeux le Soleil dans sa course sans pouvoir l'approcher. Le peintre, Charles de La Fosse, était le grand maître du coloris. Son talent lui permettait de capturer sur ses toiles les ambiances crépusculaires, grâce à la subtilité du jeu de la lumière et des couleurs. (N.M.)

Cf. également le sujet connexe dans : Le musée spécial de l'ecole française (1797-1806)

Apollon et Téthys

Nº d'inventaire: MV 7352
Date de création : 1688
Dimensions : 170,5 x 151,2 cm cadre : 194,5 x 175 x 7,5 cm
Matière et technique : huile sur toile

Historique : dessus de cheminée commandé par Louis XIV pour le "cabinet du Couchant" au Grand Trianon, 1688 ; payé 500 livres, 24 nov 1696 ; mentionné en place en 1741 et 1852 ; rentoilage, 1964 ; remis à sa place dans le salon des Malachites, après 1945 ; restauration, 1963 ; restauration, 2010

Cela parait étrange car sur cette carte postale du début XX, la peinture est en place.


Les catalogues anciens aussi


Le catalogue d'Eudore Soulié de 1852 (exemplaire ayant appartenu à Monavon ) le signale en place.



Le catalogue de Monavon de 1876 aussi.
Catalogue de 1876 (attention les malachites étaient depuis Louis-Philippe dans le salon frais. Le grand cabinet de l'empereur, redevenu aujourd'hui "des malachites" est nommé ici cabinet particulier (parfois ailleurs bibliotèque, en raison de l'armoire placée au fond)

Il ne semble vraiment pas avoir quitté son emplacement. Serait-ce seulement une mention signalant une évacuation pendant la guerre? Ce n'est guère courant.

Dans le catalogue de l'exposition à Versailles, on évoque son retrait sous l'Empire (uniquement) et son retour définitif sous la Restauration, sans donner de dates précises (exception faite de celle de son arrivée sous Louis XIV en 1688).
Il s'agit donc probablement, comme vous le précisez, d'une mise à l'abri pendant la Seconde Guerre mondiale qui expliquerait l'évocation de son retour en 1945.

C'est un détail, mais comme l'histoire contemporaine précise de la vie de Versailles reste à écrire, on surprend par de tels exemples que laa remsie en place des collections ne s'esta aps faite si rapidement.
Des décors peu visibles sont restés en caisse plus longtemps que d'autres. S'y ajoute l'étude des collections pour une épuration à l'initiative de Verlet pour ne plus présenter dans une salle que ce qu'il s'y trouvait réuni à une date donnée.
Cela est surtout valable pour Compiègne et Fontainebleau, mais Versailles commença à évincer de beaux objets sensés compléter pou enrichir avant-guerre, des ameublements avec lesquels ils n'avaient rien à voir.